“然后呢？”他问。
“研究如何用光影、布局、色调去强化情绪。”她继续道，“但不能扭曲事实。”
“听起来像一场新的创作。”他笑了笑，“不是记录，而是诠释。”
接下来几天，两人埋首于工作室，一边筛选照片，一边尝试不同的艺术表现手法。
某日午后，云倾月翻出一本旧画册，是她在整理资料时无意间发现的。画册封面斑驳，内页却保存完好，色彩运用大胆且富有层次感，某些画面竟与他们的摄影作品有着奇妙的呼应。
“这个配色……”她指着一页，“如果用在那张孩子捧着书的照片上，会不会更有温度？”
时砚凑过去看：“你是说，用绘画的色调来调图？”
“不只是调图。”她翻到另一页，“而是让照片本身成为某种艺术语言的一部分。”
“我们可以试试。”他眼中闪过一丝兴奋，“或许还能加入一些手绘元素。”
于是，他们开始实验——在部分照片边缘添加手绘线条，或是在背景中融入水彩晕染的效果。最初几次尝试并不理想，有些画面因过度修饰失去了原本的质感，有的则因风格突兀显得不伦不类。
“问题出在哪？”时砚皱眉看着失败的作品。
“融合得太生硬。”云倾月摇头，“我们太急于加入新元素，反而忽略了照片本身的叙事逻辑。”
“那就换个思路。”他忽然灵光一闪，“不如先定主题，再围绕主题选择适合的艺术形式。”
她怔了一下，随即点头：“对，主题先行。”
于是，他们重新规划展览结构：
第一部分：真实之眼
以纪实风格为主，保留原始构图，强调画面本身的震撼力。
第二部分：光影重构
尝试将摄影与绘画结合，突出色彩与情感的表达。
第三部分：记忆碎片
用拼贴与剪辑的方式，展现个体命运与社会环境的交织。
确定方向后，创作效率明显提升。两人分工明确，云倾月主控画面选择与整体风格把控，时砚则负责技术实现与细节优化。
某次尝试中，他们在一张记录孩子们围坐在篝火旁的照片上加入了手绘的星星轨迹，夜晚的黑被点缀成一片温柔的星海，既保留了原图的真实感，又赋予了诗意化的表达。